NUEVA DIRECCION www.esdemusica.es

Desde Septiembre de 2011 cambia la dirección del blog a http://www.esdemusica.es/
He trasladado todos los post y he incorporado dos nuevas secciones: una sobre los eventos de música clásica que hay en Madrid y la otra sobre regalos relacionados con la música.
¡¡Espero que os guste!!

Una revolución gracias a la música

Reaparezco aunque por poco tiempo en este verano sin conexión. La verdad es que no va a ser un post muy currado porque el contenido lo voy a transcribir literalmente de la web de Rtve.
Este viernes a las 22:15 en la 2 dan un reportaje que se llama "La tierra de las mil orquestas". En él se explica un fenómino que tiene más de 30 años con el que se pretende dar una oportunidad a los que no la tienen gracias a la música, reconducir vidas y en definitiva hacer una revolución.
Es un ejemplo a seguir, y debería ser replicado en todo el mundo. Merece la pena verlo.
Transcribo el primer párrafo de la web de Rtve.
¡Nos vemos pronto!

"El Sistema Nacional de orquestas infantiles y juveniles de Venezuela, Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 2008, busca alejar de la incultura y de la violencia a miles de niños y jóvenes venezolanos. Un proyecto del que el tenor español Plácido Domingo es un entusiasta. Por eso ha puesto su voz a la narración de un documental que analiza este revolucionario método.

La tierra de las 1.000 orquestas es un documental sobre la historia y los logros del Sistema Nacional de orquestas infantiles y juveniles de Venezuela. Un método que ha formado estrellas de la música de fama internacional al tiempo que ha sacado de la calle y alejado de la violencia y la pobreza a miles de niños venezolanos condenados a la marginación.    

'El Sistema', como se conoce en Sudamérica, nació hace más de 30 años de la mano de José Antonio Abreu, un visionario creador que comenzó impartiendo él mismo las clases. Ahora está al cargo de casi 1.500 profesores que atienden a casi medio millón de alumnos.  

Los orígenes de 'El Sistema'

Un método revolucionario que se analiza en los 60 minutos de este documental en el que diversas personas formadas dentro del 'El Sistema' cuentan su experiencia. También veremos el proceso desde el comienzo, a través de los niños que empiezan a tocar instrumentos sin tener ninguna noción musical, hasta la meta del proyecto, los conciertos a nivel internacional de la Joven Orquesta Simón Bolívar, dirigida por Gustavo Dudamel.  ........"

Audiciones para niños: Leroy Anderson

Leroy Anderson nació en Nueva Inglaterra a principios del siglo XX. Sus composiciones son conocidas por todo el mundo. Son perfectas para niños.
Escuchad estos tres videos..... seguro que los conocéis:

La máquina de escribir....no es Jerry Lewis pero apunta maneras

The waltzing cat. Video con dibujos de Tom y Jerry

El reloj sincopado

Stravinsky en el anuncio de BMW. Música.

La música que aparece en el anuncio es el Andantino del Ballet de Pulchinella.

En el anuncio de BMW Stravinsky se presenta como el ejemplo de perfección en el trabajo, de llegar hasta el límite para obtener los mejores resultados. La realidad es que así era.
Su concepto de la composición musical aparece guiado más que por la inspiración, por el trabajo rutinario diario del hombre artesano y profesional, que emplea uns técnicas formales determinadas. Es la imagen antirromántica de compositor que rechaza todo elemento subjetivo que interfiera en la estructura pura del material sonoro. Pero esto también es solo una imagen, Stravinsky no niega el papel eminente de la inspiración en el proceso de composición musical, simplemente asegura que no es condición previa del arte, sino una manifestación secundaria. Según él mismo esa emoción provocada por la inspiración es "una reacción del creador , en lucha con ese algo desconocido que no es aún más que el objeto de su creación y que debe convertirse en una obra. Eslabón por eslabón, malla por malla, le será dado el irlo descubriendo. Esta cadena de descubrimientos, y cada descubrimiento en sí, es lo que da nacimiento a la emoción -reflejo casi fisiológico, como el apetito provoca la secreción salivar-, emoción que sigue siempre, y de cerca, las etapas del proceso creador".

Esta cita textual del compositor es un fragmento de una de las lecciónes que dió en Harvard. Esta en concreto tiene el título de "De la composición musical".

Transcribo otros fragmentos por no escribirla entera que es lo que debería hacer. Si alguna persona está interesada.... lo recomiendo.

"Vivimos en un tiempo en el que la condición humana sufre hondas conmociones. El hombre moderno está en camino de perder el conocimiento de los valores y el sentido de las relaciones. Este desconocimiento de las realidades esenciales es grave en extremo porque nos conduce infaliblemente a la transgresión de las leyes fundamentales del equilibrio humano. En el orden musical las consecuencias son las siguientes: de un lado se tiende a apartar el espíritu de lo que yo llamaría la alta matemática musical para rebajar la música a aplicaciones serviles y vulgarizarla acomodándola a las exigencias de un utilitarismo elemental (...)"

"No olvidemos que está escrito: "El espíritu dirige su soplo adonde quiere". Lo que debemos retener de esta proposición es, sobre todo la palabra querer. El Espíritu está dotado de la capacidad de querer."

Sobre la cultura: "es una especie de domesticación que, en el orden social, confiere el pulimento de la educación y alimenta y perfecciona la instrucción. Esta domesticación se ejerce también en el dominio del gusto, y este es esencial al creador, el cual, debe sin cesar refinarlo para no perder perspicacia. Nuestro espíritu, como nuestro cuerpo, requiere un ejercicio continuado; se atrofia si no lo cultivamos".
Aquí otro video con él mismo dirigiendo a los 82 años.

Grabación como obra de arte: Glenn Gould

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Espero que también visites esa dirección.

Desde que comenzó a escribirse la música (Edad Media) surgió la partitura como forma de transmisión de la misma. Sin embargo, y aunque sea una obviedad, la partitura no contiene la parte fundamental de la música: el sonido. Durante siglos la única forma de escuchar música ha sido en directo, acudiendo a algún concierto o a algún acto en el que se interprete música. Por eso fue revolucionario el hecho de que se pudiera grabar el sonido tal y como cuento en el post sobre "Los comienzos de la música grabada"

Por primera vez se podía dejar constancia de la música y de las distintas formas de interpretar.

Con respecto a la forma de grabar, los cambios tecnológicos han cambiado la percepción de las grabaciones resultantes y la actitud de los músicos hacia las mismas:
- Al principio la técnica no permitía hacer grabaciones fieles a la realidad del sonido. Entre otras cosas, no se captaba la frecuencia completa, los instrumentos y la disposición de los músicos en la orquesta se tenían que modificar para aumentar su sonoridad.
- Con la grabación eléctrica, el micrófono, la grabación multipista, el sonido estéreo.... se fue evolucionando hasta llegar al momento actual. Se puede reproducir exactamente lo que está sonando o se puede perfeccionar o reinterpretar. Es lo que se deriva de la posibilidad de editar, originándose otra dimensión en las producciones musicales.

Con la edición se podía manipular el sonido, corregir cortando y pegando las partes donde había errores, mezclar fragmentos grabados en sitios distintos, o incluso conseguir efectos hasta entonces impensables como aumentar la intensidad de algún pasaje, o de algún grupo de instrumentos. y así se llego a tener distintos puntos de vista acerca de la producción musical:
- la grabación como una fotografía sonora que daba una imagen fiel del sonido que se estaba produciendo en un determinado momento.
- la grabación como una interpretación perfecta
- la grabación como acto creativo en sí mismo.

Un ejemplo de esta última posición lo encontramos en Glenn Gould. Para él, y según el libro de T. Day  "la grabación no debía ser la reproducción de un arte creativo, algo artificial, sino un objeto creador en sí".

En la siguiente audición de la pieza lírica para piano del ciclo Kyllikki de Sibelius, se puede observar el uso que hace Gould de los micrófonos para crear distintos efectos que acompañen o resalten el contenido de la obra musical. Usó tres micrófonos, uno situado dentro del piano, otro a la distancia habitual y otro en el fondo de la sala captando el sonido como lo haría cualquier espectador en ese punto. La pieza tiene una estructura sencilla:
- Primera parte (Commodo en modo Mayor): se combinan los dos micrófonos, comienza la pieza con el micrófono de dentro del piano y en el segundo 24´ pasa al de fuera para equilibrar el forte, pero sigue usando el resto de la sección el de dentro.
- Segunda parte (Tranquillo modo menor): aquí se produce el cambio más espectacular en el segundo 52´donde se utiliza el micrófono del fondo de la sala coincidiendo con un cambio de afecto en la música (paso a modo menor). Vuelve a usar el micrófono de dentro del piano al final de la sección segunda 1´44
- Tercera parte: repetición de la primera.

Referencia. Un siglo de música grabada. Timothy Day. Apuntes de la asignatura Musicología Aplicada I del profesor Pablo L. Rodríguez.

La leyenda negra de la armónica de cristal

Puedes ver este post en este enlace .
La nueva dirección del blog es http://www.esdemusica.es/ espero que también me leas allí.

 Esto fue lo que Friedrich Rochlitz, musicólogo alemán escribía sobre este instrumento en el periódico musical “Allgemeine Musikalische Zeitung”: "la armónica estimula en exceso los nervios y sumerge al músico en una acuciante depresión y, por lo tanto, en un oscuro y melancólico humor que acaba llevándolo a una lenta auto-destrucción. Si sufre de algún desorden nervioso, no debería tocarlo; si aun no se encuentra enfermo, no debería tocarlo; si se encuentra melancólico no debería tocarlo”.
Se trata de un instrumento muy curioso que tiene sus primeros antecedentes en Asia en el siglo XI. No obstante, se empezó a usar en música a partir del siglo XIII. A pesar de que por su nombre pudiéramos pensar en un instrumento de viento, lo cierto es que está formado por varios platos de cristal de distintos tamaños superpuestos y que se ordenan sobre un eje transversal que rota por la acción de un pedal. Estos platos se situaban encima de un recipiente con agua que rozaba ligeramente las copas, el sonido se producía frotándolas ligeramente con los dedos. En muchas ocasiones se señala a Benjamin Franklin como su inventor, pero lo cierto es que él simplemente lo mejoró después de escuchar su sonido en un concierto.

Muchos compositores importantes sintieron curiosidad por el instrumento y el sonido que producía y compusieron para él obras como el Adagio y Rondó en do menor para armónica de Mozart, "Sugar Plum Fairy" de Tchaikovski, o algún fragmento de la ópera La mujer sin sombra de R. Strauss.

Pero la realidad es que cayó en desuso por considerarlo un instrumento peligroso para la salud tanto física como mental.

¿Qué hay de cierto acerca de esa leyenda oscura? Actualmente lo que se piensa es que esos supuestos efectos secundarios eran provocados por la cantidad de plomo contenido en el cristal de las copas (honestamente... esto último no lo he contrastado.... )

En los siguientes enlaces podeis escuchar cómo suena.

Los comienzos de la música grabada. El fonógrafo de Edison.

Pincha aquí para ver el post completo. Está en la nueva dirección http://www.esdemusica.es/
Desde la invención de la notación musical en la Edad Media comenzó a transmitirse la música a través de documentos gráficos (partituras). Al imprimirse la música se creó una forma específica de fijar la obra de arte musical. Sin embargo, esta obra de arte está incompleta sin su interpretación, le falta la parte del sonido.

Las interpretaciones musicales antes de ser grabadas se perdían en el tiempo, nos quedan fuentes que las documentan, pero no sabemos cómo sonaban, o cómo las hacían sonar sus propios compositores o determinados intérpretes. Esto cambió con la invención del fonógrafo en 1877 por Thomas Alva Edison.

Muchos músicos se mostraron entusiasmados frente a las grabaciones desde el primer momento:

- Tchaikovsky consideraba que grabar era "la más sorprendente, la más hermosa y la más interesante de las invenciones del siglo XIX".
- Rubinstein consideraba a Edison como el salvador de los artistas intérpretes.
- Según Fauré una interpretación grabada por el propio compositor iba a ser una guía incontestable para las generaciones venideras.
- Debussy afirmó en 1904 que esta tecnología aseguraría a la música "una inmortalidad completa y meticulosa"

Pero los comienzos fueron complicados por varios motivos:

- Por la captación de las ondas sonoras: El micrófono en ese momento no existía, comenzó a usarse en 1925 (fue una de las revoluciones en el mundo de la música).  La tecnología existente (hablamos de finales del XIX) alcanzaba su máxima calidad cuando se concentraban las ondas sonoras a través de una campana, un gran embudo colocado cerca del emisor de la música (solista, instrumento...). Gran parte de las ondas sonoras se perdían, sobre todo en el caso de un grupo de instrumentos. En el caso de los solistas el efecto de pérdida de armónicos significaba que una soprano de voz clara y pura podía sonar a veces lastimera o incluso etérea, a menudo distante y misteriosa.

- Por el tiempo de escucha: tanto en el caso de los discos de una sola cara como en el de los cilindros a comienzos del siglo XX era de unos dos minutos. A finales de 1920 una cara podía durar hasta cuatro minutos y medio. Por tanto el repertorio que podía grabarse era muy limitado. En algunos casos llevaba a hacer cortes en la obra original, hecho que irritaba especialmente a los músicos. "¡Querían el vals de Fausto (que dura unos 10 minutos) pero sólo debía durar cuatro minutos!, se lamentaba Busoni a su esposa después de un día de "sufrimiento" en el estudio, en noviembre de 1919."

- Impedimentos físicos, incomodidad de los intérpretes: la importancia de la campana de resonancia en el proceso de grabación hacía que la disposición de los músicos en torno a ella fuera especial y en algunos casos muy incómoda. Los cantantes se quejaban, a menudo tenían la cabeza metida dentro de ella, alguno asimilaba la experiencia a cantar con un bozal. La aguja de grabación era muy sensible y cuando el cantante proyectaba la voz en pasajes muy fuertes la aguja saltaba y rompía un trozo de la cera del máster (según el propio Edison era difícil hacer que el aparato de grabación lidiara con el tipo de sonido que un italiano hace cuando se enamora). Una soprano dramática debía acordarse de retroceder tres pasos para sus "notas de pecho" y cinco o seis para el "registro medio-agudo".
El piano grababa peor que la voz cantada, según Rachmaninov sus primeras grabaciones parecían hechas con una balalaika en lugar de con un piano. También eran difíciles las grabaciones acústicas de los instrumentos de cuerda, en muchos de los casos lo que se conseguía era un "murmullo fantasmal".

El proceso acústico de grabación limitaba lo que se podía hacer con la música, afectaba de diferentes maneras al modo en que los músicos interpretaban y distorsionaban seriamente los sonidos que en realidad producían. Muchos intérpretes no podían siquiera ser grabados, y muchas obras clásicas eran implanteables.

Es realmente interesante ver la evolución de la música grabada: los cambios en la tecnología, cambios de repertorio, cómo ha afectado en la creación de un público consumidor de música clásica, la industria discográfica, la creación de nuevos protagonistas dentro de la creación musical (los productores).... Este mes me examino entre otras cosas de esta materia, así que más me vale que me interese.

Como curiosidad, os paso el enlace a la grabación más antigua conocida de música. Fue realizada por Edison en un cilindro de parafina amarilla en el año 1888. Se trata del Coro de Israel en Egipto de Handel, un coro de 3025 voces dirigido por August Manns. Apenas puede percibirse nada, más allá de ruidos extraños... pero es curioso.

"Coro de Israel", Hendel. Grabación hecha por Edison.